Quand Cinéma et Poésie s’allient : le cinéma poétique !

Des arts majeurs qui composent la vie intellectuelle de tout un chacun, la poésie et le cinéma forment une paire à laquelle on ne pense pas forcément. Or, même si le cinéma est apparu en 1895 avec les Frères Lumière, la poésie – maintes fois millénaire – a su trouver une place de choix dans ce support contemporain ! D’ailleurs, le terme de « ciné-poétique » est apparu très tôt dans l’histoire du cinéma : 1908 !

Quid de la poésie cinématographique ? Quid du cinéma poétique ? Autant la première fait l’objet d’études complètes et récentes, autant le second est peu traité. Mais dans le cinéma poétique, c’est l’adjectif poétique qui change le sens : quand on dit poétique au cinéma, on à tendance à penser au terme « fabrique » (la poétique), ou de style. La poétique et le style, c’est « dire en faisant », et ils ouvrent le champ sémantique, jusqu’au lyrisme, pour une meilleure captation de leur auditoire.

Le cinéma poétique est l’art de ne pas suivre un narratif pour exprimer une explosion de sens et d’émotion. La notion de contrainte – ou loi – serait trop forte pour le cinéma poétique. Il montrerait à l’écran ce qui ne doit pas se savoir (et se voir), en opposition au cinéma réaliste. Le cinéma poétique est cependant un cinéma de réalité, tout en étant un cinéma politique puisqu’il transgresse les règles écrites.

Les représentants de cet art poétique sont divers : Godard, Vertov, Illienko, Shamshiev, Griffith, Pudovkin, Eisenstein, Pasolini, Antonioni, Bertolucci, Paradjanov, Tarkovski et Dovzhenko par exemple. Souvent qualifiés d’avant-gardistes, ces auteurs peuvent être catégorisés dans plusieurs écoles : la « poetic school » soviétique ; le cinéma de poésie selon Pasolini ; la nouvelle vague incarnée par Deleuze…

Dans le cinéma français, on peut parler également de réalisme poétique, un courant qui s’est développé à partir des années 1930. Jean Renoir, Marc Allégret, Jacques Becker notamment sont les réalisateurs emblématiques de ce courant, mais les apports de Jacques Prévert (scénariste), Jacques Feyder (dialoguiste), Marcel Pagnol (Producteur), Jean Gabin, Arletty ou Michèle Morgan (Acteurs) ont eu un énorme impact dans ce courant !

Le réalisme poétique influencera de manière notable la Nouvelle Vaque Française, ou le néoréalisme italien.

Deux tendances vont marquer le réalisme poétique :

  • Un environnement populaire, avec des personnages qui l’incarnent : prostituées, ouvriers, « troufions » … Situé majoritairement dans un cadre urbain – la ville est l’unité de lieu de ce cinéma –, le courant accompagne le Front Populaire dans son unité de temps. C’est le « réalisme » qui s’incarne ici !
  • Des personnages damnés, maudits, essentiellement rejetés par la société – à la limite d’être des parias (pensez au déserteur de « Quai des Brumes »). Ils représentent une classe sociale spécifique. C’est le penchant « poétique » du réalisme poétique.
    « La Bête Humaine » – tiré du roman d’Émile Zola – et réalisé par Jean Renoir, est le parfait exemple d’une œuvre construite sur l’idée du poétique.

Le réalisme poétique accorde une part prépondérante aux dialogues dans la composition des films qui forment ce courant. Le dialogue est le centre d’attention du film, et le scénario et les scènes sont tournés pour servir ces dialogues : car c’est le verbe qui exprime le mieux l’idée !

Les décors qui composent les scènes subissent un traitement particulier (jeux de lumière, décors urbanisés sinueux) au niveau de la lumière. C’est la caractéristique principale du réalisme poétique.

Voici, pour conclure ce bref exposé sur le cinéma poétique, une sélection de films qui le représentent le mieux :

  • « Hôtel du Nord », de Marcel Carné (1938),
  • « La Bête humaine », de Jean Renoir (1938),
  • « À nous la liberté », de René Clair (1931),
  • « Pépé le Moko », de Julien Duvivier (1937),
  • « Les Enfants du paradis », de Marcel Carné (1945).

Marc DUPUY

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